Juan Mayorga: "Poner en circulación un texto contemporáneo comporta riesgos comerciales"

Está considerado como uno de los grandes genios del teatro español contemporáneo. Sus textos miran de frente a la sociedad, abordan aspectos actuales y ofrecen una visión ácida y directa. Juan Mayorga, autor que ha abandonado su faceta de filósofo y profesor de instituto para dedicarse por completo al panorama escénico, habla con serenidad y modestia y asegura que aún le falta un largo camino para alcanzar la madurez profesional. Su obra 'El chico de la última fila' se representa los días 2 y 3 de junio en el Teatro Salón Cervantes de Alcalá de Henares.

Fue profesor de instituto durante algunos años, ¿tiene algo de personal 'El chico de la última fila'?
Precisamente fui profesor de Matemáticas en el instituto Mateo Alemán de Alcalá de Henares. Allí pasé tres años inolvidables y me gustaría mandar un saludo a mis antiguos compañeros y alumnos. Sin duda, 'El chico de la última fila' tiene algo de personal. Tanto la directora, Helena Pimenta, como yo hemos sido profesores de Secundaria y eso imprime carácter. La obra, de forma más o menos indirecta, refleja algunas experiencias que viví durante esa etapa. En particular, recuerdo que un alumno me contestó un examen hablándome de su vida. Aquello dio lugar a lo que posteriormente se convertiría en el embrión de 'El chico de la última fila'.

En alguna ocasión ha declarado que nadie elige la última fila en vano, ¿qué le atrae de esos personajes secundarios?
En la obra, la última fila es un lugar físico, pero también moral y poético. Hay mucha gente que elige la última fila en el mundo escolar, laboral o familiar, un espacio desde el que se puede ver sin ser observado. En la vida nos encontramos con ese tipo de figuras, observadores de la realidad que en algún caso se convierten en artistas y en otros nunca llegan a abrirse. Sí es cierto que me atraen especialmente esos personajes escrutadores que como Claudio, el protagonista de la pieza, están atentos a lo que pasa a su alrededor. Cuando uno tiene esa vocación, es natural que tienda hacia la última fila.

¿Por qué decidió dejar la enseñanza? ¿En qué aspectos sigue sintiéndose profesor?
Después de estar en el Mateo Alemán, gané una plaza para trabajar en la Escuela de Arte Dramático, donde pasé ocho años muy felices. Si no he continuado, no es porque mi vocación haya decrecido, sino debido al mucho trabajo que, por suerte, tengo ahora en el mundo del teatro. Esa vertiente me ha ido absorbiendo cada vez más, pero sin duda volveré a la enseñanza. El trabajo de enseñante es uno de los oficios más bellos y con más sentido. La calidad de una sociedad puede ser medida por el respeto que otorga a sus profesores y una de las mejores cosas que pueden ocurrir en la vida es conocer a un buen maestro.

Ésta es la cuarta vez que trabaja con Helena Pimenta, ¿ha encontrado en UR Teatro una forma de trabajo complementaria?
Helena Pimenta y José Tomé, el alma de UR, tienen conmigo una relación, no sólo de respeto profesional, sino de intenso afecto y amistad. Eso es algo que se percibe en nuestros trabajos. 'El chico de la última fila' ha sido escrita expresamente para ellos, que han contribuido, con su diálogo, buenas preguntas y críticas, al desarrollo del texto.

UR Teatro le pidió que escribiera un texto, ¿crear por encargo motiva o presiona?Es una forma especialmente productiva de escribir por libre. No estamos inventando nada. Ya en la aparición de nuestro teatro, muchas obras fueron escritas para una compañía o para un actor. En lo que se refiere a mi diálogo con Helena Pimenta y José Tomé, siento que no he renunciado a nada, sino que he extendido mi mundo y lo he llevado a lugares imprevistos. Saber que estaba escribiendo para UR me ha servido para forzar mi escritura y hacerla crecer.

¿Existen problemas para adquirir subvenciones? ¿Los programadores ponen trabas cuando se encuentran con un texto contemporáneo de un autor español?
Debo agradecer muchas cosas a UR. En primer lugar, su encargo y el brillante montaje que han hecho, con excelentes actores y una gran sabiduría por parte de Helena Pimenta para resolver y llevar a escena una obra con gran sencillez para el público, pero formalmente compleja. Es cierto que si uno hace un una obra de repertorio consagrada por el tiempo, el producto va a ser más fácil de vender. En este sentido, el gesto de UR y de cada programador que ha acogido en su teatro 'El chico de la última fila' es valiente, ya que poner en circulación el texto de un autor contemporáneo siempre comporta unos riesgos comerciales. Es muy importante que el público reciba nuevos lenguajes, nuevos modos de hacer teatro.

¿Cuándo escribe piensa en el público o simplemente busca una vía de expresión?
Escribo para la gente. No creo que una razón para hacer teatro sea expresarse uno mismo, porque eso es algo que va inevitablemente incluido. Hay que intentar conectar con otros, hacerse cargo de sus preocupaciones, sus miedos y sus deseos. El teatro es el arte social y político por antonomasia y uno ha de evitar encerrarse en uno mismo. Es necesario ser capaz de conectar, emocionar y comunicar.

¿Qué piensa cuando le califican como el libretista oficial de Animalario? ¿Qué le aporta trabajar con esta compañía?
Andrés Lima y su gente (Alberto San Juan, Guillermo Toledo, Javier Gutiérrez, Roberto Álamo) son amigos míos y actores excelentes. También han conseguido llevarme a lugares imprevistos. A ellos debo el descubrimiento, en cierto sentido, del humor en mis textos. Estoy muy agradecido al trabajo que he hecho con ellos y ojalá podamos volver a trabajar juntos.

Muchos definen su teatro como político y de izquierdas.La noción de teatro político no la inventó Bertolt Brecht, sino los griegos. El hecho de ser capaz de convocar, para que los ciudadanos vean representadas ficciones que se hagan cargo de sus preocupaciones individuales o colectivas, está ya presente en las piezas que escribían los grandes clásicos en el siglo V. a.C. Cuando acepto que mi teatro es político, estoy pensando en eso. Más allá de ese carácter general, en ocasiones puede examinar el modo de organizarnos como sociedad, aunque no tiene por qué ser siempre así. Sí reconozco que en algunas de mis obras el componente político es fuerte, como ocurre con 'Hamelin'. En cuanto a la consideración de mi estilo como de izquierdas, considero que una de las posibles misiones del teatro es la de intranquilizar, hacer que el espectador se pregunte sobre su propia responsabilidad con respecto a lo que ocurre a su alrededor. Un teatro de izquierdas puede considerarse aquél del que el espectador sale no sintiéndose más inocente, sino más responsable.

¿El teatro debe incomodar o entretener?
El teatro ha de entretener y emocionar, esos son sus puntos de partida, sus núcleos innegociables. Si además es capaz de desestabilizar al espectador en sus ideas, en su imaginación, en su sensibilidad, está haciendo una gran oferta. Si el espectador sale con una pregunta o una nueva mirada sobre un aspecto de su vida o de la sociedad, es porque el teatro le ha ofrecido algo importante.

¿Considera que la figura del dramaturgo está injustamente valorada?En lo que se refiere a los dramaturgos españoles, hay muchos autores y textos que merecerían mejor suerte, llegar en buenas condiciones a nuestros escenarios y eso apenas está ocurriendo. Dicho esto, creo que es visible una revalorización del texto y del dramaturgo en el hecho teatral. Buena parte de los acontecimientos que ha habido en el teatro español en los últimos tiempos tienen detrás un dramaturgo que ha escrito un buen texto original o una buena adaptación. Eso es algo que comparte buena parte de la profesión. Yo no reivindico una centralidad del autor. El teatro es el arte del actor y debemos trabajar para él, pero es muy importante que a ese intérprete se le ofrezca un material que pueda explotar, reventar. En este sentido, sí percibo un creciente respeto hacia el autor en el mundo teatral español.

Ha dado clases en la RESAD, ¿cómo definiría a la nueva generación de jóvenes autores?Hay mucha gente joven que no sólo tienen una fuerte vocación y talento, sino también un mayor conocimiento y cultura. Los talleres de dramaturgia y las escuelas de arte dramático han hecho un trabajo muy importante y han ofrecido unos conocimientos amplios del hecho teatral que antes no eran fáciles de encontrar. El autodidactismo ha sido superado o completado por estas formaciones regladas. Hay gente con mucho talento y capacidad a los que deben ofrecerse medios para confrontarse con el público. Ésa es la última lección.

¿Ha pensado actuar, dirigir alguno de sus textos o escribir un guión de cine?
Creo que no tengo talento para eso. El trabajo del director es enormemente complejo y se necesitan unas cualidades de las que carezco. No tengo visión para los espacios, por eso admiro a gente como Helena Pimenta, capaz de resolver y contar una historia compleja con esa sencillez con que ha perfilado 'El chico de la última fila'. Por el contrario, considero que aún no domino el trabajo de escritor. Me contentaría con ser un buen escritor de teatro, pero tengo que trabajar mucho para alcanzar la madurez. En lo que se refiere a la actuación, puedo decir que no tengo talento alguno y en lo relativo al cine actualmente existe un proyecto para llevar a la gran pantalla 'El chico de la última fila'.

¿Qué tiene Buenos Aires que no tenga Madrid en el ámbito teatral?En Buenos Aires se han montado varias obras mías, como 'El traductor de Blumenberg', 'Hamelin' o 'Himmelweg (Camino del cielo)'. En julio se estrenará 'Cartas de amor a Stalin', dirigido por Enrique Dacal, y en San Miguel Tucumán podrá verse 'El chico de la última fila', montado por Leonardo Goloboff. En Argentina hay un público ávido de teatro al que la profesión teatral ha respondido con una gran generosidad y capacidad imaginativa que ha superado las dificultades materiales con las que se ha encontrado. Pueden encontrarse espectáculos de enorme calidad artística en una casa particular, un parque público o un pequeño garaje. Están haciendo una labor muy imaginativa que intenta, como dice el dramaturgo Rafael Spregelburd, apelar a la complicidad del espectador.

¿Qué proyectos verán la luz en los próximos meses?
'Himmelweg' llegará este verano en el Teatro Nacional de Noruega y en París. 'Hamelin' podrá verse en Roma y Chile. En Portugal se reestrenará 'Hamelin' y se estrenará 'Últimas palabras de Copito de Nieve'. Entre los próximos proyectos españoles se encuentra la versión libre de 'Fedra', dirigida por José Carlos Plaza y protagonizada por Ana Belén, que se estrena en el Festival de Mérida y creo que vendrá en septiembre al Teatro Bellas Artes de Madrid. Tengo dos obras nuevas: 'La tortuga de Darwin', que dirigirá Ernesto Caballero en el Teatro de La Abadía, y 'La paz perpetua', una pieza inédita que montará José Luis Gómez. Gerardo Verá me ha encargado una versión de 'El Rey Lear', de Shakespeare, que también se estrenará durante la temporada.

(MM)

'EL CHICO DE LA ÚLTIMA FILA'. Un sobresaliente

CRÍTICA DE TEATRO

'El chico de la última fila'
Autor: Juan Mayorga
Dirección: Helena Pimenta
Compañía: UR Teatro
Reparto: Ramón Barea, Carlos Jiménez-Alfaro, Luisa Pazos, José Tomé, Ignacio Jiménez, Natalie Pinot
Escenario: Teatro Salón Cervantes (Alcalá de Henares). 3 de junio de 2007

Ejercer la docencia puede resultar tan enriquecedor como frustrante. Germán, protagonista de 'El chico de la última fila', transita entre las dos vías como un equilibrista cuyas últimas ilusiones penden de un hilo. Hundido entre decenas de redacciones adolescentes vacías de contenido, esfuerzo y talento, encuentra una que le llama poderosamente la atención. Detecta algo especial, halla una válvula de escape a tanto resentimiento acumulado, como tantos experimentados profesores.
Juan Mayorga fue muchos años maestro de Secundaria. Helena Pimenta, la directora del montaje, también. 'El chico de la última fila' se alimenta, es comprensible, de multitud de experiencias vividas en primera persona. Pero hay mucho más, el texto abarca un terreno más extenso del que inicialmente uno podría anticipar. En esta obra no hay únicamente una tesis sobre la educación, el estado emocional del profesorado o la influencia de la literatura en la juventud. Los textos de Juan Mayorga, el autor español contemporáneo más importante, ya es indiscutible, admiten mil matices, atrapan la realidad cotidiana y la transportan a través de un vehículo dramatúrgico que, con una puesta en escena complementaria, produce un efecto gigantesco: el ver un teatro tan cercano como comprometido, real e inteligente, cuajado de intenciones que impactan sin caer en la pretenciosidad.
Reforzará sus cualidades 'El chico de la última fila' cuando se pase a la gran pantalla, un proyecto a largo plazo. Puesto en manos de UR Teatro, el texto de Mayorga fluye ágil y rápido, con transiciones cinematográficas que no otorgan ni un segundo de descanso. El espacio escénico es sabiamente aprovechado, lo que se adapta a la libertad textual de la historia. Los planos se intercambian y las conversaciones, como las emociones, pasan a ritmo vertiginoso sobre las tablas. La posible dificultad que se atribuye a una apuesta de estas características queda pulida por el intenso trabajo interpretativo, con un Ramón Barea liderando un reparto equilibrado y donde también raya a gran nivel el joven debutante Carlos Jiménez-Alfaro.
'El chico de la última fila' se nutre además de otros componentes que se alejan de la literatura. Hay apuntes cómicos y otros más cercanos al suspenso (esa mirada al otro, voyeurismo puro) envueltos por un tono realista que acerca la trama al patio de butacas. Un ejercicio que sale de lo introspectivo para convertirse en un relato global que apunta hacia frentes vitales de máximo interés. Un sobresaliente para 'El chico de la última fila'.

'SAMSARA'. Cautivo de lo oriental

CRÍTICA DE DANZA

'Samsara'
Compañía: Ballet Víctor Ullate de la Comunidad de Madrid
Dirección general: Víctor Ullate
Dirección artística: Eduardo Lao
Escenario: Teatro Buero Vallejo (Guadalajara). 26 de mayo de 2007

Ya hay un nuevo héroe en Guadalajara. Es Víctor Ullate, historia viva de la danza española, por segundo año consecutivo de paso por la capital alcarreña. Su despedida final a lo oriental, palmas unidas y ligera torsión, consiguió poner en pie a la mayor parte del auditorio, lo que dignifica el tono divulgativo de 'Samsara'. Todavía se degustaba entre el patio de butacas lo visto, un ejercicio coral de máxima eficacia, tanto en el plano visual como en el simbólico. 'Samsara' combina ambas cuestiones a la perfección, sin que apenas se note la desconexión o simplemente el toque estrictamente personal del autor que se palpa en algunas de las dos decenas de piezas que vertebran el montaje.
Lo último de Víctor Ullate, nuevamente acompañado por su escudero Eduardo Lao en labores de dirección, es un trabajo concebido desde la experiencia. La suya, única e intransferible. Mece sus obsesiones, las políticas y las sociales, al compás de los ritmos orientales, tan benevolentes siempre con los juegos corporales. 'Samsara' está emparentado, en ese sentido, con uno de esos rituales tántricos de larga duración. La explosión orgásmica se demora. Tarda en aparecer. En instantes puntuales, entre las piezas de una concepción más demoledora y crítica, amenaza con estallar, sin llegar a hacerlo. Sí irrumpe en ese espiritual epílogo de aires budistas que escribe el mensaje que quiere transmitir Ullate al espectador: flores blancas y silencio, un mundo de paz, equilibrio y sencillez.
A ese ritmo tántrico, las dos horas de danza clásica y contemporánea de 'Samsara' transcurren con fluidez, conducidas por la expresividad del talento de Ana Noya y Luca Vetere, que repiten el excelso papel que ya bordaran en 'El Sur'. Toca muchísimas cuestiones este espectáculo en el que Ullate se declara cautivo de lo oriental. No todo es positivo en una cultura en la que todavía hay resquicios en los que se reprime la homosexualidad, se desprecia y esconde a la mujer y se batalla con ardor por causas injustificables.
En contraposición, 'Samsara' lanza multitud de lemas budistas apelando a la esencia más pura del ser humano, su yo interior. Un trabajo personalísimo y obsesivo por parte del autor, que, a juzgar por la reacción del público, supo ser captado por el auditorio pese a la infinidad de recovecos que guardaba. El riesgo era quedarse con lo visual, cuando 'Samsara' no puede ser comprendido sin conocer la resonancia metafórica buscada por Víctor Ullate, que se ha hecho con un público en Guadalajara, que no es fácil.

'EL MÉTODO GRÖNHOLM'. En la oficina

CRÍTICA DE TEATRO

'El método Grönholm'
Autor: Jordi Galcerán
Dirección: Tazmin Townsend
Reparto: Carlos Hipólito, María Pujalte, Jorge Roelas, Eleazar Ortiz
Escenario: Teatro Buero Vallejo (Guadalajara). 17 de mayo de 2007

Tres temporadas abarrotando el Teatro Marquina de Madrid. Haciendo pleno los siete días de la semana. Reposiciones en los teatros de medio mundo. Un fenómeno internacional, asentado en carteleras de quince países. Y tres repartos funcionando al mismo tiempo en España, uno en Madrid, otro en Barcelona y el de la gira. El texto de Jordi Galcerán, un tobogán de emociones, un drama con aires cómicos y no al revés, no necesita presentación llegados a este punto. Es un montaje exprimido hasta el máximo, camino del agotamiento. No puede ser de otra manera cuando alguno de los protagonistas, caso de Carlos Hipólito o Jorge Roelas, superan las 700 representaciones. Sólo un ejercicio de autoconvencimiento individual es capaz de superar el hastío o hartazgo extrapolable a una situación de estas características, inaudita por otra parte.
Uno de las últimos suspiros exhalados por el reparto que recolectó millares de aplausos en Madrid (sólo falta Cristina Marcos, suplida por la errática María Pujalte) se propagó anoche en Guadalajara. El Buero se llenó de un público poco habituado al teatro. Ahí están esas salvas de aplausos a destiempo, perfectas para romper el ritmo de la obra y para desconcentrar al más frío de los actores. En este sentido, el texto de Galcerán, de un ingenio prodigioso aunque minimizado por los excesivos giros argumentales, brillantes la mayoría, alguno forzado, sacia las ansias de todos los públicos.
Hará las delicias de los cinematográficos, con ese ritmo vertiginoso de réplicas y contrarréplica y esa escenografía tan asfixiante como sofisticada. Mantiene el suspense, con esos giros anteriormente mencionados, aunque roza el abuso. Los poco habituales se quedarán con esa carga cómica que funciona más allá de lo latente. Explota en diferentes fases de la obra. Jorge Roelas enciende la mecha de las carcajadas y los aplausos. Es el bufón, el simpático, no lo tiene difícil. Carlos Hipólito, caballero de las tablas, articula con precisión el papel más complejo. Su interpretación de un personaje frío y calculador, máxima expresión del cinismo, soporta el peso interpretativo de la función. Cabe la duda de comprobar cómo funcionaría ese mismo papel, que parece configurado a su medida, con otro actor.
Y luego están los que miran más allá. En ese aspecto, 'El Método Grönholm' es una obra muchísimo más dura de lo que aparenta. Reciben todos, no sólo lo laboral. Desde la Iglesia hasta la fiesta taurina, uno de los muchos apuntes catalanes que subyacen en el texto. La dignidad se esconde en las alcantarillas de esos edificios de diez plantas, proclama lo visto en las tablas. Aunque tampoco hacía falta que subiese tanto. Más abajo las puñaladas pueden causar más dolor.
Vista la obra, no hay sitio para la polémica con la película de Marcelo Piñeyro. Hablan en distinto lenguaje de un mismo tema. En la versión escénica, la original, se eleva poderoso el magnetismo del texto de Galcerán, por mucha comicidad, excesiva a ratos, que lance. No es determinante. Aquí brilla la combinación de comercialidad, disfrute e inteligencia. Una demostración de que todos esos factores se pueden reunir en una obra de teatro.

'LA VIDA DE LOS OTROS'. En el punto exacto (***)

CRÍTICA DE CINE

Hay un punto en el que el ser humano, nutrido de la suficiente experiencia, puede descubrir que transita por el camino equivocado. Percibir que hasta ese trallazo de lucidez todo ha sido una equivocación. Que ha fallado a sus verdaderos principios. ¿Hasta dónde somos conscientes de la actitud que mantenemos ante lo que nos rodea? ¿Hay tiempo para volver atrás? ¿Pueden girar radicalmente los valores de las personas?
'La vida de los otros' es un elaboradísimo trabajo de investigación que funciona alrededor de esos interrogantes. Eso en su componente más profundo. Por fuera es una conmovedora historia de redención, dura y áspera y que al mismo tiempo transmite oleadas de verosimilitud a la hora de dibujar el paisaje de la República Democrática de Alemania, la anterior y la posterior al Muro de Berlín. Y por si fuera poco, 'La vida de los otros' regala uno de esos personajes destinados a quedarse para siempre en el memoria del cinéfilo, el increíblemente interpretado por Ulrich Mühe, la dualidad del ser humano, el bien y el mal en una mirada, en un gesto.
Florian Henckel-Donnersmarck va edificando la película con extrema lentitud, en un 'in crescendo' que supera lo metafórico en ese epílogo que roza la perfección absoluta. Esa tensión inteligentemente dosificada se percibe a través de gestos vacíos, de lo que no se dice. Es 'La vida de los otros' una película contenida y nada explícita, llena de largos silencios, oscura y fría. Con alguna trampa en la que conviene no reparar en virtud de la veracidad del conjunto y con una carga ideológica latente desde el mismo arranque de la proyección, que visto desde otro prisma, pudiera pecar de frialdad y de cierto academicismo, el mismo que lastrara a 'El hundimiento' (2004).Largometraje doloroso y punzante en lo psicológico, retrata la asfixia que salpicó a la Alemania comunista en los 80. Tiempos duros para la sociedad civil, que aquí el director fija en la figura de un prestigioso dramaturgo y literato y su pareja, una actriz venida a menos desde la irrupción del régimen. Es ese personaje el vértice del triángulo moral que completa un incorruptible agente de la Stasi. La trama va subiendo en intensidad conforme se van desvelando detalles de la personalidad de cada uno de los protagonistas, desprovistos de superficialidad o de un perfil maniqueísta, un logro para el director y guionista.
El resultado es una película perfecta para reflexiones de profundo calado que afectan a las decisiones que van configurando la vida de las personas y su correción moral o la inexistencia de ésta. Henckel-Donnersmarck podía haber caído en la trampa de la ambición y hasta de la manipulación, especialmente al final. Pero la pericia de este debutante al que habrá que seguir ha dado con un relato potente y ya imprescindible.

'BUUU!'. Toda una garantía

CRÍTICA DE TEATRO

Buuu!
Autor: Yllana
Dirección: David Ottone
Reparto: Janfri Dorado, Rubén Hernández, Raquel Pérez
Producción: Yllana
Escenario: Teatro Salón Cervantes (Alcalá de Henares). 5 de mayo de 2007

Yllana posee la preciada fórmula. No es un objetivo asequible, y si no apunten el número de compañías teatrales de nivel que se dedican exclusivamente a la comedia, una cifra ridícula. Yllana está en lo más alto de la escalera. Cada producción que saca se salda con resultados satisfactorios, con unos espectáculos fácilmente reconocibles, que llegan a todos los públicos y con unas características y líneas de trabajo efectivas.
'Buuu!', hay que decirlo, no es el mejor montaje de su última oleada. La insistencia en el gag escatológico y la dispersión que se vive en un determinado sector de la trama disminuyen el efecto revitalizador que sí tuvo, en su momento, la memorable 'Olimplaff'. Lo que se cita nuevamente sobre las tablas es un trabajo interpretativo humorístico de primer nivel. Hasta en las salidas de tono, el trío actoral, liderado por Janfri Dorado, mantiene el tipo. Hay chispa sobre las tablas, lo que se contagia a un patio de butacas que asiste totalmente receptivo a los guiños del montaje, que exigen a momentos una complicidad elevada. No hay tanto afán por la gestualidad como por conectar con el público en este 'Buuu!', lo que tampoco es un defecto vista la reacción del espectador.
Los tres intérpretes tejen sin demasiadas complicaciones un universo fantasmagórico en el que conviven los clichés más comunes asignados al terror. Las raíces están ese celuloide impulsado por la Hammer. No falta Drácula, una jorobada con tendencia al eructo de larga duración ni Frankenstein. Tampoco ese esqueleto parlanchín tan cercano al maestro de ceremonias de 'La novia cadáver' de Tim Burton. En base a personajes tan cinematográficos, Yllana erige una dramaturgia débil aunque siempre divertida. Y con una sorpresa. La obra no sólo se nutre de un terror cómico y a ratos algo soez. Se incorpora la magia al grueso de virtudes demostradas hasta la fecha por la compañía. De la mano de Janfri Dorado, en 'Buuu!' se pueden contemplar acrobacias visuales de gran nivel que culminan en un número final que en poco debe envidiar al de los grandes profesionales de la materia. Pequeños y mayores, con la boca abierta.
Del resto, los momentos destinados a perdurar más tiempo en la memoria llegan tras la irrupción de Frankenstein, una figura propicia para pasar por el dispositivo creativo de Yllana. Una noche de más risas que miedo la que ofrece esta compañía, toda una garantía de máximo nivel para pasar un buen rato en un teatro.

'TOC TOQUE'. Cacharros animados

CRÍTICA DE TEATRO

'TOC TOQUE'
Compañía: Compagnie du Petit Monde
Reparto: José Pedrosa, Jean Christophe Lucon
Escenario: Corral de Comedias (Alcalá de Henares). 4 de mayo de 2007

Utilizar utensilios de cocina para crear sonidos musicales no supone una novedad en el panorama escénico. Cafeteras, cacerolas, tenedores, sartenes, boles y cucharones cobran vida en multitud de espectáculos pensados para arrancar las sonrisas de los más pequeños y lograr un objetivo nada sencillo: despertar entre los jóvenes la afición por el teatro.
La agrupación francesa Compagnie du Petit Monde apuesta por fundir teatro y música en una representación acertadamente breve, idónea para mantener atentos a niños no acostumbrados a permanecer inmóviles en el patio de butacas. Su 'Toc Toque', manipulado por José Pedrosa y Jean Christophe Lucon, convierte una modesta cocina en centro de los focos. Un sinfín de cacharros animados pasean por un escenario salpicado de notas metálicas.
La originalidad no es una de las características del espectáculo que pudo verse en el Corral de Comedias de Alcalá de Henares. La falta de desarrollo argumental y el empleo de recursos sonoros hacen de la propuesta una opción sencilla, pero ejecutada con una técnica impecable. A medida que avanza la representación, el espectáculo va ganando en intensidad hasta desembocar en un final cuidado, calmado y atractivo. Sólo en determinados momentos la escenificación puede resultar repetitiva, especialmente para el espectador adulto.
'Toc Toque' ofrece una entrañable pincelada de teatro de objetos, una disciplina que ofrece infinitas posibilidades escénicas y que ha sido escasamente explotada por las compañías nacionales. Una opción agradable para el público familiar.

'ABRAHAM Y SAMUEL'. Vaivén verbal

CRÍTICA DE TEATRO

'Abraham y Samuel'
Autor: Victor Haïm
Dirección: Vicente Genovés
Compañía: Germinal Producciones
Reparto: Sergi Calleja, Josep Minguell
Escenario: Teatro Moderno (Guadalajara). 27 de abril de 2007

No hay nada mejor que una obra que te induzca a pensar sin ofrecer valoraciones explícitas -salvo un único detalle-, que te permita disfrutar de unas grandes interpretaciones y que cargue con una puesta en escena que obligue a no perder detalle. Que te haga salir del teatro, resumiendo, despierto, consciente de haber vivido una experiencia enriquecedora. El 'Abraham y Samuel' de Germinal, con sus defectos, se acerca a la vivencia relatada. Obra de tesis, más dura de lo que aparenta su flexibilidad dramatúrgica, esconde un texto que es orfebrería pura. Mediante la retórica, a veces enrevesada, de dos únicos personajes en constante evolución psicológica, el texto de Victor Haïm derrocha material para la reflexión. Lo que separa a Abraham y Samuel es lo mismo que los une. La humanidad no es una, sino varias, grita Haïm a través de esos dos roles tan identificables, el patrón explotador y el obrero al que el sueldo no le alcanza para comer, lo que le lleva al hurto.

La obra es un pelea verbal continua, un lanzamiento inagotable de mensajes y pensamientos sobre el ser humano. La religión, las razas o el poder son aspectos secundarios. Aquí lo que hay son dos roles que mutan a lo largo de la obra, con giros sorprendentes, siempre tan agradables de ver y con picos de tensión dramática, como el paso de la violencia verbal a la física, con esa pelea de sable contra horca, potentado contra campesino. Una virtud sobresaliente, dado que la obra bordea, especialmente en su inicio, los límites de la indiferencia. No lo permite el excelente trabajo interpretativo.

El corazón que hace que 'Abraham y Samuel' se desarrolle a gran nivel lo bombean Sergi Calleja y Josep Minguell. Dos actores que ofrecen una lección magistral sosteniendo con aplomo papeles complicados. Es la principal baza de un montaje que desliza una cantidad ingente de información en cada andanada verbal, aparentemente inocuas, que sale de los personajes. Abraham es el más interesante. Samuel cumple con su papel, trabajador explotado de honradez corrompida por el entorno que le rodea. El choque entre ambos caracteres es inevitable, aunque ese presumible antagonismo luego no lo sea tanto. Para eso están esos giros que conviene no desvelar y que están enlazados hábilmente por la mano del director.

Aunque no es tanto lo que se ve como lo que se escucha. Un vaivén verbal, un torbellino de reflexiones con las que Haïm define la contradictoria naturaleza humana. El mensaje es duro por lo hiriente que es, por la vileza con la que califica al hombre, ser cínico por naturaleza, y que llega a alcanzar de refilón a la mujer. Haïm no es nada cordial con sus personajes. Por sorpresa, su discurso varía en un epílogo que pudiera resultar decepcionante tras lo visto. El bien triunfa, queda esperanza y hasta despliega velas un mensaje demasiado universal, concreto y necesario para aplacar conciencias. Otro revés, bien visto, que no hace más que evidenciar la inteligencia que rebosa de cada uno de los salientes de esta magnífica 'Abraham y Samuel'.

'DAYS OF GLORY'. Los olvidados (****)

CRÍTICA DE CINE

Hay películas que están contadas con tanta convicción, que creen tanto en sus posibilidades y en el mensaje que quieren transmitir, que son capaces de suplir sus deficiencias y modularlas hasta llegar a convertirlas en una ventaja. El director de 'Days of Glory', el argelino Rachid Bouchareb, tenía tan claro lo que quería contar que el presunto maniqueísmo en el que podría caer su discurso juega a favor ante la fortaleza de la voz que narra, más bien grita, los acontecimientos que pasan por la pantalla.
Películas como ésta, narrada con emoción y sin rasgos de divismo, son imprescindibles. Demuestran, además, que el cine todavía puede golpear bien fuerte a la puerta de los poderosos. 'Days of Glory', que recupera un capítulo perdido de la Segunda Guerra Mundial, ha servido para que el gobierno francés pida perdón públicamente y reabra el sistema de pensiones a los descendientes de los soldados argelinos que combatieron bajo bandera francesa.
Es 'Days of Glory' un ejemplo de cine bélico que no presume de alardes técnicos, de contar con grandes infraestructura o de una narrativa impecable. Su desarrollo es inestable, acariciando el tópico más simple en alguna ocasión y con las cotas de máxima emotividad concentradas en el tramo final. Raya la película en ciertos tramos la ingenuidad, como esos cinco últimos minutos innecesarios. Errores propios del que tiene tantas cosas que relatar, del cineasta al que un documental no le bastaba para no dejar relegado al olvido lo que le sucedió a sus compatriotas. El trabajo de Bouchareb se centra fundamentalmente en retratar las emociones del combatiente, aquí centradas en una compañía de soldados que lucharon en una guerra que no era la suya, sufriendo las balas del enemigo y el desprecio de sus aliados. Ordenada en orden cronológico, la tensión racial y bélica explota en una escena final que no tiene nada que envidiar a la de películas del mismo género que ya pertenecen al imaginario colectivo.
'Days of Glory' cumple, por lo tanto, todos los objetivos marcados. Realidad, unas gotas de heroismo, compromiso político y un capítulo interpretativo cubierto con garantías -atención al trabajo de Samy Nacéri como Yassir- la distinguen del cupo de estrenos anodinos que llegan a la cartelera cada semana, goteo incesante de cine de poca calidad, escaso entretenimiento y nula reflexión.

'EL TÚNEL'. Un pasaje borroso

CRÍTICA DE TEATRO

'El túnel'
Autor: Ernesto Sábato
Adaptación: Diego Curatella
Dirección: Daniel Veronese
Reparto: Héctor Alterio, Rosa Manteiga, Pilar Bayona, Paco Casares
Escenario: Teatro Salón Cervantes (Alcalá de Henares). 14 de abril de 2007

Pisa las tablas con fuerza, eleva el tono de la voz con lentitud, gesticula y expresa emociones hasta con un simple chasquido de dedos, todo con una naturalidad pasmosa. Los años pasan y ahí sigue en la brecha. Héctor Alterio imparte en 'El túnel' otra de esas lecciones que merecen por sí mismas una visita al teatro. Pero, por desgracia, hay algo que hace que 'El túnel' sea un montaje fallido.
No hay que culpar a Alterio de ello. Ni siquiera a la fidelísima adaptación de Diego Curatella, secretario personal de Ernesto Sábato, autor del libro, que ahora reposa sus 96 años en Argentina. Tampoco vale cebarse con la estructura de la obra, sabiamente articulada por Daniel Veronese, director de escena de moda en Madrid, que es un prodigio de flexibilidad y economización de recursos. Un novelón denso que supera las 200 páginas plasmado en poco más de 80 minutos, sin lugar a la nostalgia y con cada capítulo bien articulado. Además, la cuestión de la edad -Alterio dobla a la del pintor literario- está decodificada con tanta inteligencia que no supone inconveniente.
Por todo ese cúmulo de razones, no es nada fácil averiguar dónde se encuentra el error, ese defecto que hace que no cuaje, que se salga del teatro con la sensación de haber contemplado algo incompleto y para nada definitivo. Habría que recurrir a factores de índole más individual, rayando lo espiritual. No es Alterio, por mucho que haga un trabajo soberbio, ese Juan Pablo Castel dibujado por Sábato en 1948. Ese hombre amargado, atormentado y depresivo queda reducido a un hipocondríaco, un ser maniático sin límites al que no se intuye rasgo alguno de esa enfermedad que es el mal del amor. El resultado de su labor se traduce en un tono inesperado, risas desde el patio de butacas, como una comedia con buen gusto. Increíble aceptar una situación de estas características una vez releída la obra de Sábato, oscura, triste, todo desesperanza, plagada de personajes cuya realidad no admite concesiones. <>Fuera de esa línea, 'El túnel' teatral está diseñado a la medida de Hector Alterio. Respira, vive, palpa y comunica a través de su interpretación. El resto de los personajes no interesan nada, edificados desde el error o no, causan indiferencia. No convencen, no transmiten, son simples títeres que orbitan en el vacío alrededor del inmenso Héctor Alterio, adornos devorados por el poder lumínico del hispano-argentino, al que en diversos momentos le salta el resorte de esa vis irónica marca de la casa y que aquí produce un efecto contradictorio.
Con sus luces y sus sombras, así transita esta historia universal de corte atemporal que, por lo comentado, bien podría haberse traducido en un largo monólogo. Una tragedia deslumbrante trazada con buen gusto que, lástima, termina ensombrecida por ese tono, rayando el sarcasmo y distanciado de la pesadumbre, que lentamente va adquiriendo. El túnel por el que transitan almas perdidas como la de Castel es oscuro, sólo oscuro. Y por mucho que pese, ese vacío existencial que deja la lectura del libro es sólo un recuerdo en esta obra de teatro.